Dijon Art

Ousmane Sow

Siloé PETILLAT — 2013-06-19T06:11:08Z

Cet été, deux expositions d'Ousmane Sow (né à Dakar en 1935) sont programmées à Besançon, à la Citadelle et au Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie. Le public français avait découvert ses sculptures terreuses plus grandes que nature en 1999, lors de l'exposition La bataille de Little Big Horn sur le Pont des Arts, à Paris.

Communiqué de presse :

Ousmane Sow a été accueilli par la galerie de l'Espace à Besançon dès 1994 pour l'une de ses premières expositions en France.
En 2002, pour la Journée du refus de la misère et à la demande de Médecins du Monde, Ousmane Sow rend hommage à Victor Hugo. La sculpture qui lui est dédiée est installée sur l'esplanade des Droits de l'Homme à Besançon (parvis de la mairie).
Le sculpteur a également participé au projet du nouveau monument aux morts prochainement réinstallé au cœur du parc des Glacis et des fortifications Vauban du quartier Battant de Besançon. Sa statue L'Homme et l'Enfant fera partie du mémorial.
C'est donc tout naturellement que la Ville de Besançon a invité Ousmane Sow pour une exposition de ses œuvres avant leur retour au Sénégal où elles seront présentées dans le nouvel espace culturel du sculpteur. Des scènes de la vie quotidienne des ethnies Peulh, Nouba, Masaï et Zoulou, fil rouge de cette exposition d'œuvres monumentales, seront présentées au Hangar aux manœuvres de la Citadelle. De grandes sculptures de la nouvelle série d'Ousmane Sow sur les grands hommes intitulée Merci, parmi lesquelles celles du Général de Gaulle et Nelson Mandela, y seront également exposées.
Le Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie accueillera simultanément une série de sculptures appelée Petits Nouba.
C'est par la photo qu'Ousmane découvre le magnifique peuple des Nouba. Révolté d'apprendre qu'on veut les exterminer, il souhaite les faire exister par la sculpture. Fabriquées de bronze ou de pâte spéciale dont seul l'artiste connaît le secret, les figurines (de 50 à 70 cm) font penser à des êtres dont les corps ont été façonnés par la terre. D'une surface rugueuse et granulaire, elles sont dotées de membres légèrement démesurés et adoptent des attitudes de danseurs.
Les Nouba, groupes ethniques du Soudan, vivent dans des montagnes isolées du monde extérieur. Cette situation leur a permis de maintenir une culture indigène. Pratiquant la culture en terrasse et l'exploitation des plaines, ils cultivent le millet, le maïs, les haricots et les oignons. Ils élèvent également du bétail, des moutons, des chèvres et des ânes.
Leurs pratiques religieuses se confondent avec des rites agricoles et impliquent, entre autres, des sacrifices d'animaux aux esprits des ancêtres pour conjurer la pluie et bénéficier des récoltes abondantes.
Ces sculptures se retrouvent associées aux photographies de Georges Rodger (1908-1995), membre fondateur de la prestigieuse agence Magnum Photos, et correspondant de guerre pour Life de 1939 à 1945.
Traumatisé par l'horreur du conflit, il s'intéresse progressivement aux modes de vie liés à la nature. En 1947, il est l'un des cofondateurs de Magnum Photos et entreprend une traversée du continent africain, au cours de laquelle il réalise un reportage sur Le Village des Noubas, qui sera publié par Robert Delpire en 1955. De 1950 à 1980, George Rodger se rend plus de quinze fois en Afrique. En 1970, George Rodger devient membre contributeur de Magnum. Il retourne trois fois en Afrique grâce à une bourse du British Arts Council afin de photographier le rite de circoncision des Masai Moran, qu'aucun homme blanc n'avait encore jamais vu.

Plus d'info :
site du Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon
site d'Ousmane Sow

Expositions du 15 juin au 15 septembre 2013
Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie, 1 place de la Révolution 25000 Besançon : ouvert tous les jours sauf le mardi, de 9h30 à 12h et de 14h à 18h (ouverture en continu le samedi et le dimanche), entrée libre
La Citadelle, Hangar aux Manœuvres, Rue des Fusillés de la Résistance 25000 Besançon : ouvert tous les jours de 9h à 18h (jusqu'à 19h du 6 juillet au 30 août), tarif plein : 5€, tarif réduit : 3€ (accès à l'exposition Ousmane Sow uniquement), gratuit pour les détenteurs d'un billet Citadelle et les moins de 12 ans

Expositions d'été du Consortium

Siloé PETILLAT — 2013-06-18T09:35:22Z

Communiqué de presse :

ALEX ISRAEL : première grande rétrospective de ce jeune artiste californien, rassemblant l'essentiel de ses œuvres, des peintures aux programmes télévisés qui ont été exposés au MOCA en 2012.

PICASSO DEVANT LA TELE (commissaire associée Laurence Madeline) : une exposition en collaboration avec les Musées d'Art et d'Histoire de Genève présentant les œuvres du célèbre artiste espagnol inspirées de la presse et plus particulièrement de la télévision des années 70.

THE PHOTOGRAPHIC OBJECT 1970 : reproduction de l'exposition présentée au MOMA de New-York en 1970, décrite comme la première présentation des images photographiques utilisées de manière sculpturale.

Plus d'info : site du Consortium

Expositions du 4 juillet au 29 septembre 2013
Vernissage le mercredi 3 juillet 2013 à 18h
Ouvert du mercredi au dimanche de 14h à 18h (nocturne le vendredi jusqu'à 21h, entrée gratuite dès 17h) ; fermé les jours fériés et du 12 au 27 août 2013
Visites commentées pour les enfants le mercredi à 15h, visites commentées pour tous le vendredi à 18h30 et le samedi à 15h
Entrée 4 euros par personne, gratuit sur présentation d'un justificatif : enfants (– 12 ans), groupes scolaires, demandeurs d'emploi, bénéficiaires du RSA, invalides, étudiants et enseignants spécialisés (histoire de l'art, beaux-arts, arts décoratifs, architecture), journalistes, critiques d'art, artistes
Le Consortium, 37 rue de Longvic 21000 Dijon (bus Divia L12 arrêt Place Wilson ou L5 arrêt Baudin)

Tacet

Siloé PETILLAT — 2013-06-16T09:44:25Z

Pour ses 30 ans, le Frac Franche-Comté a confié le soin à l'artiste Francis Baudevin (né en 1964, vit et travaille à Lausanne) d'organiser une exposition au Musée des Beaux-Arts de Dole à partir des œuvres de la collection du Frac. Particularité de cet accrochage : les noms des artistes n'apparaîtront pas.

Communiqué de presse :

Afin de fêter leur trentième anniversaire et sous l'intitulé Les Pléiades – 30 ans des Frac, une référence à la fois littéraire et stellaire, les 23 Frac ont élaboré un projet collectif et singulier qui prend pour principe fondateur le regard des artistes sur les collections. À cette occasion, chaque Frac donne une carte blanche à un ou plusieurs créateurs pour, à partir de sa collection, imaginer des expositions ou inventer des dispositifs pour les présenter. Ces invitations témoignent de la volonté des Frac de montrer combien l'artiste est au cœur de leurs activités, de la collection à la production d'œuvres, en passant par l'exposition, la médiation et la diffusion.

Se déroulant d'avril à décembre 2013, cette manifestation nationale propose une constellation d'expositions qui montrent, chacune à leur manière, le potentiel infini de projets possibles avec les œuvres.

Une sélection d'œuvres de ces 23 projets sera ensuite présentée aux Abattoirs – Frac Midi- Pyrénées à Toulouse de septembre 2013 à janvier 2014, regroupant en un lieu un florilège de la programmation des 30 ans des Frac qui aura précédemment irriguée les territoires des Frac en région.

Dans le cadre des Pléiades, le Frac Franche-Comté a confié le commissariat de son exposition à l'artiste suisse Francis Baudevin, qui a proposé l'exposition Tacet.

Tacet est un écho au terme musical qui indique le silence continu d'un instrument pendant un long extrait ou un mouvement entier d'une composition. Ce terme a notamment été utilisé pour la partition de 4'33'' de John Cage. Le titre de l'exposition suggère qu'une attention particulière sera portée sur les intervalles, les “interstices entre les œuvres”, comme aime à le rappeler l'artiste Francis Baudevin, concepteur de l'exposition. L'accrochage, qui présentera au total un ensemble d'une quarantaine d'œuvres, sera également marqué par un souci de décloisonner techniques artistiques et courants stylistiques, de manière à plonger le visiteur dans un univers singulier. C'est également dans cet esprit que le nom des artistes à l'origine de chacune des œuvres ne sera communiqué sur aucun support de communication et de médiation.

Exposition labellisée par le Ministère de la Culture, organisée par la ville de Dole avec le soutien de la DRAC Franche-Comté, du Conseil général du Jura, du Conseil régional de Franche-Comté et de l'Association des Amis des musées du Jura.

Plus d'info : site du Frac Franche-Comté

Exposition du 22 juin au 8 septembre 2013 ; entrée libre
Vernissage le vendredi 28 juin 2013 à 18h30
Visites guidées gratuites à 15h les dimanches 7 et 21 juillet, 11 et 25 août, 8 septembre, ainsi que tous les jeudis de juillet-août à 14h30 (sauf le 15 août) et le mercredi 24 juillet à 18h30 ; visites guidées et ateliers pour enfants gratuits tous les mardis de juillet-août à 14h30
Découverte de l'exposition en compagnie de Francis Baudevin, commissaire de l'exposition et Sylvie Zavatta, directrice du Frac Franche-Comté, le mercredi 10 juillet à 18h30
Ouvert tous les jours sauf le dimanche matin et le lundi, de 10h à 12h et de 14h à 18h (20h deux mercredis par mois)
Musée des Beaux-Arts, 85 rue des Arènes 39100 Dole

Surprise, Surprise

Siloé PETILLAT — 2013-06-07T05:05:17Z

L'exposition d'été de la galerie Jean Greset regroupe 28 artistes.

Communiqué de presse :

Après « She's a Rainbow » et avant « Paint it Black », nous avons le plaisir de vous proposer l'exposition de l'été « Surprise, Surprise ». Ces titres font référence à trois chansons du groupe Les Rolling Stones (50 ans de carrière).

Nous avons réuni 28 artistes de réputation nationale et/ou internationale, qui vous proposent pour cette exposition des œuvres sur le thème de la couleur :

Bernard Aubertin, Jean-Luc Bari, Jean Brault, Nicolas Chardon, Jérôme Conscience, Alberto Cont, Didier Demozay, Philippe Desloubières, Jean-François Dubreuil, Michel Duport, Alan Ebnother, Olivier Filippi, Julian Gil, Hans Glattfelder, Didier Marcel, François Morellet, Charles Henri Montvert, John Nixon, Antoine Perrot, Sigurd Rompza, Christian Roth, Bruno Rousselot, Robert Schad, Harald Schmitz-Schmelzer, Hugo Schüwer-Boss, Michel Seuphor, Gérald Thupinier, Claude Viallat.

Surprise, Surprise n'est pas une exposition manifeste, mais notre choix et le plaisir de montrer à un vaste public la création contemporaine !

AUBERTIN Bernard
Né en 1934 en France. Il vit et travaille aujourd'hui à Reutlingen en Allemagne.
Il est considéré comme un des acteurs du renouveau historique de la peinture (et du tableau) en Europe autour des années 50-60. Il fait notamment la rencontre d'Yves Klein dès 1960, qui le met en contact avec les membres du groupe « Zéro ». Ce groupe prône une dématérialisation de l'œuvre d'art par la recherche de sensations liées au dynamisme du matériau et à la lumière. La démarche artistique de Bernard Aubertin se veut avant tout expérimentale voire laborieuse. L'artiste nous présente ainsi des monochromes auxquels il associe divers matériaux (bois, papiers, clous, allumettes…), encore peu exploités dans le domaine de l'art, et joue avec les orientations et les transformations chimiques (telle la combustion). Ses œuvres font parties des plus grandes collections privées et publiques européennes.

BARI Jean-Luc
Né en 1964 à Montbéliard. Il vit et travaille aujourd'hui à Besançon. Professeur à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon.
Son œuvre s'inspire d'objets tirés du quotidien et s'interroge sur la notion de l'espace. Ses réalisations peuvent faire penser tantôt à l'architecture, à la sculpture ou encore au design. Jean-Luc Bari a réalisé une série intitulée « Par-dessus », dans laquelle il procède à des recouvrements : l'artiste dépose des feuilles colorées de plastique modelant ainsi les objets enveloppés. Par-là, il détourne avec ironie le travail du drapé référencé dans l'histoire de l'art.

BRAULT Jean
Né en 1963 à Savigny-sur-Orge. Il vit et travaille actuellement à Paris.
Ce peintre autodidacte expose au mur une part de force, d'infinité et de puissante spiritualité, à caractère non religieux cependant. Il construit par la couleur, des formes à la composition carrée et rectangulaire d'une grande précision. Se fiant tout d'abord au hasard, il se lance dans l'élaboration d'une ébauche, faite de superpositions, d'assemblages de morceaux de papiers découpés. Puis ces constructions géométriques forment alors de grands aplats sans modulation, dont les couleurs lumineuses frôlent la blancheur. Face à ses tableaux, le spectateur plonge alors dans une harmonie sereine faite de légèreté du tracé et de couleurs.

CHARDON Nicolas
Né en 1974 à Clamart. Ancien pensionnaire de la Villa Médicis, il vit et travaille à Paris.
L'élaboration de son œuvre se caractérise par une méthode rigoureuse. En effet, l'artiste utilise la plupart du temps la toile vichy. Tout d'abord, il tend celle-ci, obtenant une déformation des petits carrés la composant. Par la suite, il appose la couche picturale. En référence aux grands fondateurs de l'abstraction géométrique (Malevitch), Nicolas Chardon reprend et réinterprète, avec humour et respect, les œuvres phares de ces derniers. Ainsi, leur géométrie se voit modifier, perturber. L'artiste nous questionne alors sur le rôle du motif et de la figure, surtout lorsque ceux-ci sont imprégnés dans nos souvenirs culturels.

CONSCIENCE Jérôme
Né en 1976 à Besançon, il vit et travaille dans cette même ville. Il est à la fois photographe, peintre et vidéaste.
Il est connu pour remuer et manipuler les mots comme personne. La langue est son premier matériau. L'artiste la ramène à l'état de chose, de matière. Ainsi il pétrie et façonne des phrases courtes, résonant de la même manière que des slogans. La pensée compose une place importante de sa peinture. Ses toiles blanches libèrent une étonnante poésie, au contenu pas nécessairement compréhensible, mais toujours teinté d'une incroyable pureté.

CONT Alberto
Né en 1956 en Italie. Diplômé de l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Paris, il vit et travaille aujourd'hui dans cette même ville.
A la fois peintre et sculpteur, son œuvre se distingue par une extase de la couleur et une fascination pour les formes géométriques, les plus souvent circulaires. Une certaine poésie et mysticité se dégage de ses peintures, à la chromatique vive, éclatante et aux traits délicats. De plus, les œuvres proposées lors de l'exposition ajoutent un tout autre élément technique adopté récemment par l'artiste, celui de la transparence.

DEMOZAY Didier
Né en 1950. L'artiste vit et travaille à Draguignan.
Ses grandes toiles vierges sont reconnaissables par la juxtaposition et la confrontation de différentes couches de couleurs. On retrouve dans ses tableaux l'importance du geste et des sensations héritées des artistes de l'abstraction américaine. Le mouvement donné à la matière picturale par Didier Demozay, forme des surfaces anguleuses ou rectangulaires, mêlant ainsi morcellement et unité de l'espace. La simplicité des blocs de couleur rend la matière suffisante à elle-même, et agit comme une purge du tableau.

DESLOUBIERES Philippe
Né en 1950 à Paris. Il vit et travaille en Picardie.
Il accomplit des sculptures dont le seul matériau est l'acier. L'artiste associe à cette matière froide, une couleur laquée franche. De plus s'ajoute à ce paradoxe de l'utilisation de la tôle, la forme du dessin. En effet pour certains, son style fait allusion à une sculpture plutôt féministe. Philippe Desloubières donne à ses sculptures, des figures à l'aspect organique, végétal voire animal. Ses œuvres souvent destinées à être exposées à l'extérieur, émergent dans le paysage tel des pousses en plein développement.

DUBREUIL Jean-François
Né en 1946 à Tours. L'artiste vit et travaille aujourd'hui à Paris.
Il cherche à produire des abstractions à partir de la presse écrite. Sa démarche artistique suit un code très précis, que seul le hasard détermine. En effet, sa couche picturale est soigneusement apposée et délimitée par rapport à la mise en page des documents. L'artiste obtient ainsi une grille dont les différentes zones sont colorées par rapport à leur fonction : le rouge pour la publicité, le noir pour les photos … Ses tableaux finissent par dégager une harmonie de couleurs vives et saturées.

DUPORT Michel
Né en 1943 à Paris. Il vit et travaille dans cette même ville.
L'artiste explore et expérimente la question du volume en peinture. En effet, ses réalisations ne peuvent être assimilées à de la sculpture. Tout son travail vise à expérimenter les volumes de la peinture, notamment en multipliant les zones visibles de celle-ci. Ainsi Michel Duport réalise des « tableaux-volumes » aux formes libres, où se jouent diverses superpositions, couleurs et teintes. La peinture apparait alors comme simple matière à profondeur, dont les limites sont indéfinissables.

EBNOTHER Alan
Né en 1952 en Californie. Il vit et travaille au Nouveau-Mexique (EUA) et en Allemagne.
Cet ancien danseur est connu depuis plus d'une dizaine d'années, pour son traitement intense de la couleur verte (suivant différentes nuances). Mais ce n'est que récemment, que l'artiste porte son attention envers d'autres couleurs, notamment l'orange et le bleu. Le choix de ses couleurs n'est pas anodin, il doit nous faire davantage penser aux couleurs des paysages environnants en Californie. L'artiste peint sur des châssis des monochromes, dont la teinte et le mouvement du pinceau en font les principales caractéristiques. L'épaisse matière picturale est vive, rythmée rappelant les sensations encore présentes du danseur d'autrefois.

FILIPPI Olivier
Né en 1969 à Paris. Il vit et travaille à Paris et à Montreuil.
Ses peintures apparaissent comme semblables à l'imagerie numérique (figure technologique, logos publicitaires). En effet, l'artiste emprunte à cette dernière, son graphisme et ses trajectoires dynamiques. De plus, il maitrise à la perfection, l'usage des couleurs, jouant ainsi d'effets illusionnistes qui approfondissent l'incertitude d'être face à un tableau. La géométrie des formes est nette, clairement délimitée. Elle offre aux tableaux une dimension temporelle sans équivoque, où stabilité et vitesse de l'image se confondent.

GIL Julian
Né en 1939 en Espagne. Il y vit et travaille à Madrid. Professeur d'art à la faculté de Madrid.
Sa capacité intuitive à extraire de nouvelles combinaisons de diagrammes géométriques est fascinante. Ses propositions plastiques se caractérisent par une division du plan, toujours en carrés et en rectangles de diverses proportions géométriques. L'artiste, un adepte de la géométrie, définit alors un périmètre pour chacune des figures, dont l'unique couleur fait office de forme. Ses aplats de couleurs imposent une composition tantôt dynamique et statique. Le dialogue entre le pouvoir des formes et l'harmonie colorée, nous invite à plonger dans une pureté visuelle originale.

GLATTFELDER Hans
Né à Zurich en 1939. Il vit et travaille aujourd'hui à Paris.
Dans les années 60, il s'établit en Italie où il fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Rome. L'architecture de la Renaissance italienne développe chez lui, une exécution picturale propre. En effet, l'artiste propose des peintures conjuguant sciences et art. L'artiste est aussi un auteur constructiviste. Hans Glattfelder a théorisé comme base de sa démarche artistique, la géométrie « non-euclidienne ». Ses tableaux et reliefs donnent à réfléchir sur la perception de l'espace et les représentations spatiales contemporaines. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections prestigieuses d'Europe.

MARCEL Didier
Né en 1961. Il vit et travaille aujourd'hui à Dijon. Professeur à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Dijon.
Ses sculptures et installations aux matériaux naturels interrogent notre vision du paysage et sa représentation sculpturale. En effet, l'artiste incite le spectateur à contempler et à s'insérer dans une nature détournée. Le paysage se veut fragmentaire, condensé, enclenchant ainsi une simple idée de paysage. La mise en scène de ses œuvres joue un rôle considérable, surtout que celle-ci interpelle le spectateur sur les limites même de la sculpture.

MORELLET François
Né en 1926 à Cholet, il vit et travaille dans cette même ville.
Cet artiste autodidacte fait la rencontre de Victor Vasarely, en 1958. Ensemble en 1960, ils cofondent le Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV, dissout en 1968). Ce groupe a pour but de remettre en cause les relations entre l'art, l'artiste et la société. Relativement proche de de l'art cinétique, ce collectif cherche à rendre accessible leurs œuvres aux spectateurs. Pour cela, François Morellet tente d'exclure toutes traces de l'artiste. Ainsi, il use de multiples supports contemporains comme matériaux (toiles, néon, métal, adhésifs,…). De plus, le hasard prend une place importante dans son œuvre tout comme la juxtaposition, la superposition, l'interaction et la fragmentation. Il considère davantage la toile comme un champ d'expérience graphique plutôt que d'expression personnelle. Son œuvre est représentée par des galeries reconnues internationalement, et collectionnée principalement par les institutions françaises et allemandes.

MONTVERT Charles-Henri
Né en 1948 en France. Il vit et travaille à Paris.
Il est l'élève de l'artiste de l'abstraction polonaise Konnov Kosmalski. Sa peinture s'établit uniquement dans des formats carrés. Il fait usage exclusivement de formes simples, géométriques. Ces dernières sont remplies de couleurs monochromes. La peinture s'étend ainsi sur deux dimensions dans le plan de la toile, mais aussi en épaisseur par les enfouissements et superpositions des formes. Le style de l'artiste exclu toutes traces sentimentales.

NIXON John
Né en 1949 et vit en Australie.
Ce peintre australien propose, sur de modestes supports, l'insertion de motifs et signes modernistes. Il compose un assemblage de formes géométriques simples dont chaque pièce est rehaussée d'une couleur vive, pure. En particulier la couleur orange (nommée Experimental Painting Worshop : O), qu'il aime expérimenter pour sa luminosité et son positivisme. Certaines de ses compositions imposent par effet d'optique, des profondeurs, différents plans et volumes. La couleur se suffit à elle-même pour la perception de multiples dimensions spatiales. L'œuvre de John Nixon nous offre ainsi une relecture de la modernité. Les œuvres de John Nixon sont présentes dans de nombreuses collections européennes et en particulier à Reutlingen (Allemagne) au sein de la fondation, Stiftung für konkrete Kunst.

PERROT Antoine
Né en 1963 à Toulon. Il vit et travaille à Paris. Professeur à l'Université Panthéon-Sorbonne en « Arts plastiques et Sciences de l'art ».
Avec la même démarche que Duchamp, l'artiste prélève des objets industriels et manufacturés, achetés directement en grandes surfaces, les isole et les présente comme une œuvre d'art. Il associe à ces matériaux, dont la particularité est de n'avoir été que rarement utilisés dans les réalisations plastiques (éponges de ménage, rubans adhésifs, gommettes, cordages…), un caractère violemment polychrome. Son œuvre s'installe aux frontières de la sculpture et des objets spécifiques. L'espace libre dont disposent les matériaux fait office de formes, où Antoine Perrot établit ses couleurs bariolées, fraîches, acides voire criardes. Il joue sur le processus d'accumulation et de répétition, rehaussant ainsi les surfaces appartenant au monde industriel. Par l'application d'une ou plusieurs couleurs sur une surface, son travail s'apparente davantage à la peinture.

ROMPZA Sigurd
Né en 1945. Il vit et travaille en Allemagne. Professeur à l'École supérieure des Beaux-Arts de Sarre (Allemagne).
Depuis les années 70, l'artiste écrit en parallèle des textes théoriques sur l'art concret et les principes de conception. Il crée des objets muraux, équivalent à des reliefs plats. Ces derniers sont colorés d'acrylique et de vernis. Leur relief linéaire conforté par l'utilisation d'une couleur, incite l'œil à suivre le mouvement. La visualisation de ses réalisations n'a rien d'immobile, mais elle entraine une participation naturelle du spectateur dans cet élan pictural. Ses objets exposent le rôle des relations entre lumières, couleurs et formes dans la naissance d'un volume.

ROTH Christian
Né en 1962, il vit et travaille en Haute-Saône.
Cet ancien diplômé de l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon a développé une création avant tout picturale. En effet, ses reliefs polychromes ne peuvent être assimilés à de la sculpture. Christian Roth se déclare comme un successeur des démarches plastiques, découlant de l'expressionnisme abstrait américain et de l'abstraction gestuelle française. L'artiste donne relief à des gestes colorés. A grands coups de brosse, il dépose la peinture fraîche puis donne volume à sa toile cartonnée. Ainsi, il fige dans ses tableaux, son improvisation picturale manifeste dans des coulées de couleurs et des empreintes de sa gestuelle.

ROUSSELOT Bruno
Né en 1957 à Besançon. Il vit et travaille à Chatillon-sur-Loire. Professeur à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Dijon.
En 1987, il part à New York et y séjourne pendant dix ans. Là-bas, il fait la rencontre de l'artiste minimaliste et conceptuel, Sol LeWitt. Bien entendu, les œuvres de Bruno Rousselot se voient fortement influencer par ce dernier. Il dépose au rouleau la couleur dans un monochrome initial, recouvert par endroit d'une seconde couche dont la forme aura été préalablement délimitée par du ruban adhésif. Ainsi les lignes réunissant deux formes rendent à peine visible, un léger tremblé. Les compositions géométriques se contractent, s'étendent, se transforment. Elles mettent en évidence les relations subtiles entre couleurs et lumières et suggèrent par-là, des mouvements circulaires et fuyants. Ainsi, l'artiste tente de comprendre comment fonctionne la perception d'un tableau et où intervient le rôle dominant de la surface colorée.

SCHAD Robert
Né en 1953 en Allemagne. Il vit et travaille aujourd'hui en France, à Larians (Haute-Saône).
Il est considéré comme l'un des sculpteurs les plus prometteurs de sa génération. Son utilisation exclusive de l'acier, sous forme de barres carrées de différentes dimensions caractérise en partie sa sculpture. Tel un peintre, il libère la matière d'un geste dans l'espace. Il fusionne l'acier et la danse. En effet, la ligne donnée à ses sculptures apparait rythmée, saccadée. L'étrange légèreté dégagée de ses œuvres, les assimilent davantage à une construction esquissée plutôt que sculptée. Elles jouent sur une immobilité du matériau, qui pourtant nous donne une idée de mouvement.

SCHMITZ-SCHMELZER Harald
Né en 1953. Il vit et travaille en Allemagne.
Il crée des tableaux-objets de forme rectangulaire ou circulaire. Sa démarche plastique originale nécessite une certaine technicité. L'artiste procède aux coulages de couleurs monochromes, de manière successive sur une planche de bois. Ces coulées peuvent être parallèles ou perpendiculaires au support. Harald Schmitz-Schmelzer parvient ainsi à solidifier la couleur et à l'emprisonner dans une finition laquée. On obtient ainsi une stratification de couleurs empilées en trois dimensions, conciliant sa peinture à de la sculpture. Cette inondation de bandes horizontales impose au spectateur un retour à l'essentiel.

SCHUWER BOSS Hugo
Né en 1981, à Poitiers. Il vit et travaille à Besançon. Professeur à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon.
Sa peinture d'illusion, semblable à l'imagerie technologique, simule par sa composition minimale et une palette réduite, de faux reliefs. Il dégage de grandes surfaces aux formes pures, austères et récurrentes. Ses réalisations viennent à capter le regard du spectateur et se laisse librement interpréter par lui. D'autant que l'artiste, fait volontairement appel à des codes et compositions issues de l'histoire de l'art et du décor quotidien. Ainsi toujours dans un degré assez faible de l'icône (ordre du simple signe, du schéma ou encore du pictogramme), il nous interroge sur leur confrontation au réel.

SEUPHOR Michel
Né en 1901 en Belgique et décédé en 1999 à Paris.
Avant tout connu pour ses écrits et théories de l'art abstrait, Michel Seuphor côtoie des artistes de son temps : Tristan Tzara, Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, Robert et Sonia Delaunay, Blaises Cendrars mais surtout Mondrian, dont il subit l'influence comme peintre. En 1929, il fonde à Paris le groupe « Cercle et Carré », réunissant les artistes qui se revendiquaient du néoplasticisme prôné par Mondrian. En parallèle, il écrit de nombreux ouvrages devenus des références de la littérature artistique, dont : « L'Art abstrait, ses origines, ses premiers maîtres » (1949) et la première monographie sur l'artiste Mondrian « Piet Mondrian, sa vie, son œuvre » (1956). Michel Seuphor sera d'ailleurs désigné comme légateur testamentaire de l'artiste.
Ainsi vers les années 40, il commence peu à peu, à dessiner. En 1951, il développe une technique originale, ne travaillant que sur le trait avec de l'encre de Chine sur papier, appelée « dessins à lacunes ». Il n'use que de lignes continues refusant totalement le modelé. C'est donc le manque, l'absence de trait qui fait le dessin. Il suggère par-là des effets de profondeur, de mouvement et de clair-obscur. Les formes variées qu'il déploie, traduisent son univers poétique.

THUPINIER Gérald
Né en 1950. Il vit et travaille à Nice. Professeur d'anthropologie culturelle à la faculté de Nice.
Ses peintures mêlent à la fois l'art figuratif et l'art abstrait. Il peint la surface de ses toiles avec acharnement. La matière picturale laisse transparaitre un engagement physique du geste, à travers de multiples coulures et empâtements. Sur la surface colorée non monochrome perce des formes dépouillées. Une narration quasi dramatique se dégage de ses tableaux, amplifiée par la présence d'écritures légèrement brouillées. Le tableau devient alors un espace de choc et de contradiction. Actuellement, il développe son travail sur le thème de la feuille de figuier et sera présenter lors de la prochaine exposition « Un été pour Matisse » à Nice, pour célébrer les 50 ans de l'artiste (du 21 juin au 23 septembre 2013, Musée Matisse).

VIALLAT Claude
Né à Nîmes en 1936, où il vit et travaille.
Il est connu dès les années 60, pour être le membre fondateur du groupe « Supports/Surfaces ». Ce collectif prône un art de la répétition d'une forme simple, semblable à un logo, et remet en cause le support traditionnel. Ainsi dès 1966, Claude Viallat fixe ce qui deviendra son marqueur d'identité : une forme quelconque, neutre, ni naturelle, ni géométrique. Cette dernière est reproduite inlassablement à l'aide d'un pochoir sur le support, telle une empreinte. D'un mouvement spiralé, il peint ses œuvres de couleurs saturées et somptueuses, faisant de lui un des plus grands coloristes de l'histoire de la peinture occidentale. Les supports conventionnels de la peinture sont délaissés au profit de matériaux de récupération (tissus divers, parasols, cordes…). Son œuvre se base sur un principe unique, qui pourtant subit une métamorphose perpétuelle. Encore aujourd'hui, l'artiste poursuit ses recherches plastiques exploratrices. Il est désormais exposé dans les galeries les plus prestigieuses du monde, et collectionné tant en France qu'à l'étranger.

Plus d'info : site de la galerie Jean Greset

Exposition du 13 juin au 30 juillet 2013 ; entrée libre
Vernissage le jeudi 13 juin 2013 à partir de 16h
Ouvert du mardi au samedi de 10h à 12h et de 14h à 19h, ou sur rendez-vous
Galerie Jean Greset, 7 rue Rivotte 25000 Besançon

Léa le Bricomte, Rémi Tamain et Franck Pitoiset - ONE+ONE #4

Florian BOURGEOIS, Siloé PETILLAT — 2013-06-03T05:33:18Z

Dans le cadre de la quatrième édition de One + One, festival sur le thème des relations entre l'art et le rock, La Ferronnerie accueille une exposition de Léa le Bricomte (née en 1987), Rémi Tamain (né en 1980) et Franck Pitoiset (né en 1973). Autres invités du festival, du 14 au 16 juin 2013 : Lionel "Fox" Magal, pour la sortie de son ouvrage Crium Delirium – the Psychédélik Road Book, Pip Chodorov, réalisateur du film Free Radicals (projeté à l'Eldorado le 14 juin à 22h), les groupes Ghotul et 11 Louder, les Pontificall Beuys, performers, et le Dj Elvis Press Play.

Communiqué de presse :

« L'avènement du rock, depuis la deuxième moitié du XXème siècle, aura engendré une histoire où se croisent pèle mêle musiciens, artistes, performeurs, cinéastes, écrivains et poètes, cultivant derrière d'apparents rythmes binaires, une culture populaire et arty, stupide et savante, transgressive et sociale, bref, une méta-physique urgente et essentielle. Le rock a ainsi influencé durablement nombre d'artistes à travers lesquels peut s'envisager une autre histoire de l'art du XXème siècle allant des dadaïstes aux Sex Pistols en passant par les situationnistes.

Le projet ONE+ONE, art & rock est né en 2010 de cette volonté d'explorer les interactions entre la culture rock et l'art contemporain à travers une programmation où se mêlent expositions, concerts, débats, lectures publiques, performances et cinéma. Après trois éditions successives organisées en collaboration avec plusieurs structures dijonnaises, les deux fondateurs du projet, Isabelle Bryard et Bertrand Kelle, ont fédéré une équipe autour d'eux et ont créé l'association ONE+ONE qui organise désormais l'évènement. Cette quatrième édition se condense le temps d'un week-end évènementiel et s'articule autour de la parution du foisonnant Psychedelik Road Book de Lionel « Fox » Magal et d'une exposition collective de Léa Le Bricomte, Rémi Tamain et Franck Pitoiset.

Conjointement à ces deux évènements, ONE+ONE proposera une programmation électrique où s'entrecroiseront avec subtilité du cinéma expérimental avec Free radicals de Pip Chorodov, une performance Post-Fluxus des Pontificall Beuys, un après-midi « thé dansant » avec Elvis Press Play, des concerts avec les groupes Ghotul et 11 Louder, et bien plus encore... »


ONE+ONE 2013 - PROGRAMME

Plus d'info : site de ONE+ONE

Exposition du 14 au 20 juin 2013 ; entrée libre
Vernissage le vendredi 14 juin 2013 à partir de 19h
Ouvert le samedi 15 juin de 14h à 20h, le dimanche 16 juin de 14h à 19h, et du 17 au 20 juin de 15h à 19h
La Ferronnerie, 2 rue Auguste Comte 21000 Dijon (bus Divia L6 ou 11 arrêt St-Michel ou Théâtre)

Dijon, Animale (Dijon vu par Lydie Jean-Dit-Pannel)

Siloé PETILLAT — 2013-06-03T04:51:46Z

Lydie Jean-Dit-Pannel est l'invitée 2013 de l'exposition annuelle "Dijon vu par". Afin d'esquisser un portrait de la ville, elle a filmé des Dijonnais (et un invité spécial, Maneval) avec leurs animaux de compagnie.

Communiqué de presse :

Née en France en 1968, Lydie Jean-Dit-Pannel est une artiste toujours en mouvement. Elle questionne l'image au travers de projets au long cours. Le voyage, la rencontre, le cycle de la vie et la filiation sont les moteurs de ses recherches. La vidéo, la photographie, la performance et l'installation donnent des formes à son travail. Depuis 2004, elle pousse plus loin la question de l'image par le biais du tatouage. Lydie se fait tatouer lors de chacun de ses voyages un papillon monarque femelle. Son corps petit à petit, s'anime du bruissement des ailes du seul papillon migrateur de notre planète. Sa vie et son travail, toujours liés, s'accompagnent d'un film journal : “Le Panlogon”. Depuis 10 ans, à la fois autoportrait, journal de bord et carnet de croquis, ce “work in progress” vidéo la suit dans tous ses voyages et accompagne toutes ses expériences.

C'est une idée des plus originales que propose Lydie Jean-Dit-Pannel pour cette édition 2013 de “Dijon vu par” qui permet chaque année à un ou plusieurs artistes de livrer leur regard sur la ville. Lydie a en effet choisi d'entreprendre un voyage dans sa ville, au fil des saisons, du petit matin au bout de la nuit. Avec un prétexte, celui de réaliser un portrait de la ville au travers de ses habitants. Des Dijonnais anonymes, des figures, des artistes, des citoyens de renom accompagnés de leur animal familier. L'homme et la bête filmés sur un plan d'égalité privilégiant la complicité qui les unit. Pendant 6 mois, elle a parcouru la ville, d'un appartement à un autre, d'une maison à une chambre d'étudiant, d'un atelier à un commerce, elle a filmé les Dijonnais chez eux.

Dès le 15 juin, venez apprécier le résultat de son travail, confortablement installés sur un canapé ou dans un fauteuil, dans l'un des salons équipés de grands écrans et mis en espace au salon Apollon de l'hôtel de ville.

Plus d'info :
site de la Ville de Dijon
blog de Lydie Jean-Dit-Pannel

Exposition du 15 juin au 15 septembre 2013 ; entrée libre
Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 12h et de 13h à 18h ; fermé les jours fériés
Hôtel de Ville – Salon Apollon, place de la Libération 21000 Dijon (bus Divia L6 ou 11 arrêt Théâtre)

Hannah Dougherty - That's How Strong My Love Is

Siloé PETILLAT — 2013-05-28T17:11:33Z

Cet été Interface invite Hannah Dougherty (née en 1980 à Philadelphia, USA, vit et travaille à Berlin, Allemagne), jeune artiste adepte du découpage-collage et de la performance. Les visiteurs sont invités à poursuivre leur visite à la Maison Rhénanie-Palatinat, voisine, qui accueille également des œuvres d'Hannah Dougherty jusqu'au 12 juillet 2013 (vernissage à partir de 11h le samedi 8 juin, en simultané dans les deux lieux, avec une rencontre avec l'artiste dans les locaux du centre culturel allemand autour de midi).

Communiqué de presse :

Ce qui caractérise le travail d'Hannah Dougherty, c'est une sorte de taxonomie surréaliste si colorée et effrayante, capable de nous catapulter dans d'autres sphères. C'est comme si l'on regardait la vérité à travers un miroir déformant, on est dans l'étonnement ce qui ne nous empêchera pas de prendre du recul.

Voici donc le monde que nous peuplons avec notre culture, sur lequel nos corps laissent des empreintes. Ce monde nous le décryptons et l'imaginons grâce à nos codes sémantiques et iconographiques.

Nous admettons volontiers que l'étrangeté de notre imaginaire puisse être à la fois amusant et choquant. C'est une réalité visuelle qui devient une charmante utopie du big bang, donnant vie à des milliers de mondes qui se perpétuent en permanence.

Traduction Marie-Charlotte Urena et Ursula Hurson.

Plus d'info :
site d'Interface
site d'Hannah Dougherty

Exposition du 8 juin au 20 juillet 2013 ; entrée libre
Vernissage le samedi 8 juin 2013 à 11h
Ouvert du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous
Interface, 12 rue Chancelier de l'Hospital 21000 Dijon (bus Divia L6 ou 11 arrêt Saumaise ou Buffon)

Thomas Couderc - Pilote 00

Siloé PETILLAT — 2013-05-28T17:11:23Z

Suite à une résidence aux Ateliers Vortex, Thomas Couderc (né en 1981, vit et travaille à Marseille) est invité à y exposer du 31 mai au 16 juin 2013.

Communiqué de presse :

Moteur

« Les vidéos de Thomas Couderc empruntent au cinéma populaire son goût pour des actions ou des situations paroxystiques. Elles se présentent pour la plupart comme des séquences de films d'action et de poursuite dont le seul mouvement serait d'avancer, sauf que des embryons de récit sont à peine amorcés et qu'aucune détente ni explication ne suivra un climax rapidement atteint. Grâce à une pièce comme Le chaos des choses, on saisit que le sens de ces actions cinématographiques compte beaucoup moins que leur dispositif. Il s'agit de faire résonner des moyens succincts et de montrer combien l'intensité dramatique dépend d'indices élémentaires. L'aspect thriller ou science-fiction de ces séquences n'est pourtant pas démystifié par l'aveu d'un bricolage ou l'exposé d'un procédé, bien au contraire. Ce dont il est fait l'économie, ce sont les développements.

Une génération saturée d'images et de récits ne garde des anciennes continuités que la ligne de crête. Le contexte et les circonstances sautent. Il n'y a plus d'exposé. De ce point de vue, une vidéo comme Full se suffit. L'épisode est cinématographique mais se suffit dans sa litote ou son épure. Une proue avance, une étrave fend la mer puis se retourne vers un horizon rempli d'une armada de porte-conteneurs dont le principal ressemble à une étrange citadelle. Dès l'étrangeté repérée, la caméra bascule. Dès le danger enregistré, l'action prend fin, comme pour souligner son caractère fatal. Un coup de zoom et il est déjà trop tard. C'est une vidéo de la fuite et de l'urgence. Elle est cinématographique par son état d'insurrection sensorielle. La vidéo de Thomas Couderc est physique. Elle est à la lisière d'une expérience de l'épuisement. A ce sujet, Le vallon est exemplaire. Il en faut, de l'adrénaline, pour qu'un corps traîné développe un paysage. Avec Full, c'est la deuxième fois que le paysage recèle une atmosphère de danger et de crime. La matière sonore est myope. On est tout proche, dans la vague ou dans l'herbe, dans le ronron du moteur. On ne sait pas pourquoi on est toujours propulsé. Cela semble inexorable. Filmer, c'est être embarqué, dépassé et convoquer la foudre. »

Frédéric Valabrègue

L'Epopée

Les Vacances d'Automne

« Il y a une filiation secrète entre certains artistes qui se lancent dans des aventures hors d'échelle. Une histoire parallèle de navigateurs à la conquête de piscines olympiques, d'explorateurs intrépides dans des parcs thématiques, de cowboys solitaires en Camargue. La galerie ou le musée se trouvent alors dans la position ridicule de n'être que les producteurs ou financeurs de leur désir d'aller voir ailleurs.

Depuis juin 2010, Thomas Couderc et Teoman Gurgan ont mis en place un projet commun intitulé « L'épopée », qui les inscrit dans cette lignée d'artistes romantiques devant le dérisoire. Il n'est pas anodin que cette aventure s'engage à deux car, dans l'amitié et la camaraderie, il y a une possibilité de s'aider à croire aux paris les plus fous, d'augmenter les possibilités de se projeter dans le grandiose et le démesuré. « Une façon de désobéir à ceux qui ne veulent pas croire que nous vivons dans une épopée. »

Pour ce projet, réagissant aux contraintes de Diagonales 61, Thomas Couderc et Teoman Gurgan ont préféré occuper la rue même, interférant de façon brutale dans le paysage urbain. Le choix a été assumé de déraciner un arbre dans la garrigue de Nîmes pour le déplacer en camion jusqu'à Marseille, l'engageant dans un long périple avant de stationner devant le lieu d'exposition pendant deux mois. S'agirait-il de confronter, certes violemment, la campagne au bitume ? Est-ce que les artistes cherchent à combler une distance entre la ville et la nature, ou veulent-ils plutôt tuer un arbre ? Il s'agit pour eux de le maintenir en vie, mais dans cette opération de déracinement il y a un rappel impétueux de notre nature nomade, si souvent confrontée à l'exil, à la réadaptation permanente, à la création de nouvelles racines. Plus simplement, il est aussi question de donner à voir le déploiement d'une énergie physique disproportionnée en regard de l'objectif absurde qu'ils se sont donnés. Une façon pour eux de revivre à chaque fois leur histoire comme un exploit, de « vivre en artiste » au sens le plus insolent, intense, romantique et ridicule. »

Pedro Morais

Plus d'info : site de Vortex

Exposition du 31 mai au 16 juin 2013 ; entrée libre
Vernissage et performance L'Epopée, en duo avec Teoman Gurgan, le 31 mai 2013 à partir de 18h
Ouvert tous les jours de 14h à 19h et sur rendez-vous
Vortex, 71-73 rue des Rotondes 21000 Dijon (bus Divia 18 arrêt Stéarinerie)

WAHALA

Siloé PETILLAT — 2013-05-24T02:01:38Z

Cet été, la galerie Barnoud invite à Entrepôt 9 deux artistes, Katrin Ströbel et Emeka Udemba, qui brouillent les pistes et se jouent des clichés. L'exposition, intitulée Wahala, un mot d'argot nigérian signifiant "confusion", sera ensuite présentée en Allemagne (fin 2013), le pays d'origine de Katrin Ströbel, puis au Cameroun et en Afrique du Sud (printemps 2014).

Communiqué de presse :

La galerie Barnoud présente WAHALA, une exposition de Katrin Ströbel (née en Allemagne en 1975) et Emeka Udemba (né au Nigéria en 1968). "Wahala" est un mot anglais pidgin utilisé par les Nigérians et qui signifie problème, trouble, confusion. Les deux artistes entendent interroger et remettre en question certains des stéréotypes liés au fait qu'ils travaillent à la fois en Europe et en Afrique.

Cela fait déjà quelques années que les artistes Katrin Ströbel et Emeka Udemba travaillent à la fois en Europe et en Afrique. Pourtant, il est frappant de voir comment les œuvres de ces artistes sont catégorisées : d'un côté Emeka Udemba, l'artiste noir d'Afrique (Nigéria), est supposé divertir le public européen avec une originalité, une authenticité pimentées d'une pointe de post-colonialisme et de critique de la mondialisation ; de l'autre côté, Katrin Ströbel, l'artiste blanche d'Europe, est confrontée à un public "compatissant", qui pense que travailler dans un contexte africain ou arabe participe d'une aide au développement, d'une action sociale ou une quête discutable d'exotisme.

Quels que soient les stéréotypes et préjudices existant des deux côtés sur le fait de travailler entre l'Europe et l'Afrique, Emeka Udemba et Katrin Ströbel ont noté que même le monde de l'art globalisé reste divisé en différentes plates-formes. Tous deux, tout comme leurs autres collègues, sont souvent présentés dans différents projets et expositions et souvent séparés par les différents commissaires et institutions. Ce fait est intéressant car ces artistes du Nigéria et d'Allemagne pensent que leurs travaux résonnent de thèmes comparables et du contexte similaire de "ici" et "là", qui sont autant d'éléments constants dans leur démarche.

Dans ce contexte, Emeka Udemba et Katrin Ströbel souhaitent développer un projet d'exposition qui interroge et remet en question certains de ces stéréotypes culturels. Leur proposition attire l'attention sur le discours culturel tendu et polarisé entre les cultures, qui est souvent la conséquence de représentations et interprétations erronées. Le cœur et le champ d'action de cette exposition seraient de questionner l'étendue des relations habituelles aux idées et aux formes que ces cultures sont supposées représenter.

Comme cela est le cas pour un projet réunissant des artistes de cultures différentes, pour le public la question de la paternité de l'œuvre est importante. La preuve de l'attribution ou de l'authenticité dépend souvent de l'usage des formes et des structures attribuées à un artiste particulier de culture particulière. Ströbel et Udemba interrogent cette notion tout en refusant de donner une réponse à la question de l'auteur : toutes les œuvres de l'exposition (dessins, œuvres en tissus, peintures, photographies, vidéos)seront présentées sans aucune allusion ni information complémentaire, sans indiquer si elles sont de l'artiste nigérian, de l'artiste allemande ou si elles ont été produites par tous les deux, ensemble. Confronté à ses propres attentes et clichés, le spectateur est laissé à sa propre perception.

Entrepôt 9 est le point de départ de cette exposition itinérante, qui s'enrichira tout au long de son parcours. Après la France, l'exposition rejoindra la capitale allemande. En 2014, elle sera accueillie dans différents lieux du continent africain. Chaque présentation abordera différents thèmes concernant certaines spécificités locales.

Plus d'info : site d'Entrepôt 9

Exposition du 1er juin au 31 août 2013 ; entrée libre
Vernissage le vendredi 31 mai 2013 à partir de 18h
Ouvert le mercredi, le vendredi, le samedi, de 15h à 19h ou sur rendez-vous
Entrepôt 9, 9 boulevard de l'Europe 21800 Quetigny (Tram T1 arrêt "Cap-Vert")

Futur simple, saison 1

Florian BOURGEOIS, Siloé PETILLAT — 2013-05-22T17:20:55Z

Après une longue fermeture au public, le Frac Bourgogne a inauguré le 18 mai 2013 son nouveau lieu d'exposition, situé dans les anciens espaces du Consortium, rue Quentin, à Dijon. À nouvelle étape, nouveau nom : cet espace a été rebaptisé Les Bains du Nord. L'exposition Futur simple, saison 1 y présente jusqu'au 5 janvier 2014 des œuvres de Paul Cox, Ger Dekkers, John Giorno, Richard Long, Yan Pei-Ming, Claudio Parmiggiani, Nancy Rubins, Allen Ruppersberg, Ida Tursic & Wilfried Mille et Joana Vasconcelos. Un accent particulier semble mis sur la médiation, puisqu'une artiste, Isabelle Ménétrier, est chargée d'organiser des « rencontres avec l'art contemporain » gratuites et adaptées à chaque type de public (enfants, adultes).


Claudio Parmiggiani, Stella della Notte, Collection Frac Bourgogne Photo : André Morin, Paris pour le FRAC Bourgogne © Claudio Parmiggiani, ADAGP, Paris, 2013.

Communiqué de presse :

À l'occasion de la Nuit européenne des musées, le 18 mai 2013, le FRAC Bourgogne inaugure son nouveau lieu permanent d'exposition situé au cœur du tissu urbain de la ville de Dijon. Cet espace de 500 m2, anciens bains du Nord, puis magasin d'électroménager, a déjà fait l'objet d'une réhabilitation dans les années 1980, devenant l'espace d'exposition du centre d'art contemporain Le Consortium. Ce lieu participe de nouveau à l'écriture de l'histoire de l'art contemporain en Bourgogne, en accueillant aujourd'hui le Fonds régional d'art contemporain. Dans cet espace, c'est la collection du FRAC Bourgogne, riche de 650 œuvres de 240 artistes, qui est donnée à voir sous une approche renouvelée cycliquement. Le FRAC a en effet décidé de se remettre à l'œuvre de sa collection. Alors qu'il fête ses 30 ans, le FRAC Bourgogne entend plus que jamais se concentrer sur ses missions d'origine : collectionner l'art de notre temps, le donner à voir en allant à la rencontre des publics et en faire la pédagogie. De nouveaux modes de circulation des œuvres en vue d'irriguer le territoire bourguignon, sont d'ores et déjà mis en place : expositions sur l'ensemble du territoire bourguignon, partenariats avec des institutions régionales, ateliers en direction de publics variés, conférences, rencontres... bref, autant d'occasions de découvrir l'art contemporain et les arts plastiques.

Dans le cadre d'un premier cycle d'expositions, le FRAC propose, du 18 mai 2013 au 5 janvier 2014, de découvrir la mise en relation de certaines de ses œuvres marquantes avec des œuvres nouvellement acquises. Cette exposition marque le lancement des 30 ans du FRAC Bourgogne.

Convaincu de la nécessité d'une pédagogie de la vision, le FRAC Bourgogne propose, en relation avec l'exposition principale, une exposition-atelier confiée à un créateur à destination des enfants scolarisés à l'école élémentaire. D'autres programmes de médiation sont mis en place pour les collégiens et les lycéens. Des ateliers hebdomadaires sont également proposés au public : petits et grands, accompagnés par un artiste en charge des visites/ateliers, sont invités à voir, à percevoir, à faire, à ressentir… Histoire de l'art et langage visuel sont au cœur du projet et de la programmation portés par le FRAC Bourgogne. De manière régulière, des évènements seront organisés autour de ces expositions : rencontres, conférences…

« Les Bains du Nord », nouveau lieu d'exposition permanent du FRAC Bourgogne dans la capitale régionale, porte l'ambition de faire voir de façon régulièrement renouvelée la collection du fonds régional d'art contemporain. Les expositions présentées dans ce lieu seront autant de propositions de lectures et de découvertes de la collection.
« Futur simple, saison 1 » en est la proposition inaugurale. Conçue comme un cycle en trois temps et trois espaces, ce sont différents aspects de la collection qui sont donnés à voir.
Tout d'abord une exposition dans la collection suggère une promenade tout à la fois nocturne et printanière entre nouvelles acquisitions et œuvres parmi les premières entrées dans la collection du FRAC, il y a près de trente ans.
Un artiste déjà présent dans la collection, Yan Pei-Ming a été invité à prendre part à cette exposition avec une œuvre spécifiquement produite pour l'occasion. Un fil conducteur se dessine entre ces œuvres, une façon de traiter ou d'évoquer la nature avec des médiums différents (huile sur toile, huile sur bois, gouache et pigment sur toile, sérigraphie et peinture émaillée sur toile, graphite sur papier, photographie, faïence, crochet et pierres). Mais au-delà de leur sujet, ce sont les œuvres qui sont offertes au regard dans un dialogue volontairement simple, direct et épuré, entre les photographies de Ger Dekkers et les poésies de John Giorno, entre l'anneau minéral de Richard Long et le sous-bois de Ming, entre « Guigone » de Joana Vasconcelos, enserrée dans sa dentelle de crochet et l'étoile de la nuit de Claudio Parmiggiani ou encore entre la tôle froissée de Nancy Rubins et les petites fleurs du bord de la route départementale 903 d'Ida Tursic & Wilfried Mille.

Dans un second espace des « Bains du Nord », c'est à la découverte plus littérale d'une œuvre de la collection que le regardeur est invité. Ici une œuvre d'Allen Ruppersberg acquise en 2004, intitulée « Doing Nothing », constituée par une série de vingt photographies noir et blanc. Dans les premiers clichés, nous voyons un personnage masculin, l'artiste lui-même, une chaise à la main, se diriger puis entrer dans un souterrain. Dans les clichés suivants, nous attendons le retour du personnage, mais rien ne se produit. L'attente est maintenue.

Enfin le troisième espace est une exposition-atelier d'un format volontairement élargi pour ce premier cycle d'exposition. Cet espace pédagogique repose sur l'idée de la nécessaire éducation des regards. Il a été confié au créateur Paul Cox, qui propose, aux petits et aux plus grands, un grand jeu de construction mobile dans lequel déplacer de grands plans colorés pour y construire points de vue et perspectives.

Tous les visiteurs sont invités à toucher, agir et expérimenter !

Plus d'info : site du Frac Bourgogne

Exposition du 18 mai 2013 au 5 janvier 2014 ; entrée libre
Ouvert le mercredi, jeudi et dimanche de 14h30 à 18h, le vendredi de 14h30 à 20h et le samedi de 11h à 18h
Frac Bourgogne, 16 rue Quentin 21000 Dijon (bus Divia L4, L5 arrêt Grangier ou tram T1, T2 arrêt Godrans)